「動き出す浮世絵展」は、名古屋から始まり、国内5都市・海外4都市へと広がりました。イタリア・ミラノ、フランス・パリ、台湾・高雄でも開催しています。妖怪美術をテーマにした「動き出す妖怪展」も名古屋・東京で20万人を超える方にご来場いただきました。2026年には両展とも、国際的クリエイティブアワード「MUSE Creative Awards 2026」イマーシブ体験部門で金賞を受賞しています。

これらの展覧会が、どうやってつくられているのかを書きます。

原画を読み解く

出発点は浮世絵そのものです。北斎、広重、国芳。数百点の作品を調べ、どれを、どの順番で、どんな物語として見せるかを決めます。ここには浮世絵・江戸文化の専門家にも監修に入っていただきます。学術的な正確さを欠いた作品は、文化財を扱う会社として出せないからです。

平面を、空間にひらく

次に、1枚の絵をどう空間化するかを設計します。波は動き、富士は迫り、猫は歩き出す。ただしアニメーションをつければいいわけではありません。原画の筆致や色をどこまで残し、どこから解釈を加えるか。ここが一番議論になるところで、デザイナー/アーティストとクリエイター/エンジニアが何度も往復しながら詰めていきます。

会場ごとに、体験を組み直す

巡回展でいちばん難しいのは、会場が毎回違うことです。天井高も、柱の位置も、動線も違う。同じ映像素材でも、投影面の設計と順路の組み方で体験はまったく別物になります。名古屋で成立した構成が、パリでそのまま成立するとは限りません。会場ごとにゼロから体験を組み直す。ここはディレクターの仕事です。

見に来てもらう、までが仕事

そして、つくっただけでは人は来ません。ターゲットの設定、広告の出稿と効果検証、SNSでの発信、グッズの企画と在庫の設計、チケットの価格設計と収支管理。プランナー/マーケターが、この全部を見ます。一旗では、集客と収支は「作品の一部」だと考えています。

会期中は、オペレーター/プレゼンターが会場に立ちます。来場者の案内、作品の解説、トラブル対応。どれだけ映像が良くても、現場の体験が悪ければ評価は下がる。最後の仕上げをするのは現場のメンバーです。

2026年には、京都市京セラ美術館「KUNIYOSHI IMMERSIVE ART in 歌川国芳展」も手がけました。美術館という舞台でも、一旗のつくり方は変わりません。

ものづくりの上流から現場まで、全部に関わりたい。そんな方に向いている仕事です。少しでも興味を持っていただけたら、まずはカジュアル面談でお話ししましょう。