先日、クラフトワークの来日公演を見に行った。

Kraftwerk

改めて感じたのは、クラフトワークは自分にとって、単なる音楽ではなく、空間演出の原点に近い存在だということだった。

おそらく、初めて彼らのライブを見たのは2002年のZepp大阪だったと思う。

それまでもCDでは聴いていた。
ただ、ライブに行く前は、正直少し疑問もあった。

クラフトワークをライブで見る意味は何なのか。
CDで聴くのと何が違うのか。

彼らは、いわゆるライブバンドのように、演奏の熱量で押し切るタイプではない。
ステージ上を走り回るわけでもない。
MCで観客を煽るわけでもない。
むしろ、ステージ上での動きはかなり少ない。

それでも、実際に見てみると、CDで聴くのとはまったく違った。

音、映像、照明、衣装、立ち位置。
それらがすべて整理されていて、会場全体がひとつの完成された空間になっていた。

そこで初めて、クラフトワークのライブは「演奏を見るもの」というより、音と映像で構成された空間に入るものなのだと分かった。

特に印象に残っているのが、アンコールで本人たちではなく、人形がステージ上に出てきた演出だった。

普通のライブなら、本人がいなくなった時点で違和感が出る。
でもクラフトワークの場合は、むしろその方がコンセプトとして自然に見えた。

人間なのか、機械なのか。
本人なのか、代替物なのか。
演奏なのか、プログラムなのか。

そういうテーマを、説明ではなく演出として見せていた。

この時の体験はかなり大きかった。
それ以来、来日公演があるたびに、できるだけ見に行くようになった。

Numbers

昔と変わらないのに、古くない

今回の来日公演で改めて驚いたのは、映像の内容や構成が、昔見た時と大きく変わっているわけではないということだった。

もちろん細かいアップデートはあるのだと思う。
ただ、基本的な構成はほとんど変わらない。

4人が横一列に並ぶ。
それぞれが端末の前に立つ。
背後のスクリーンに、文字、数字、図形、アイコン、映像が表示される。
音と映像が同期する。
衣装も含めて、ステージ全体がひとつのルールで整理されている。

冷静に考えると、これはかなり昔からやっている形式だ。

それなのに、全然古く見えない。

むしろ、AIが日常的になり、人間と機械の境界が曖昧になっている今の方が、クラフトワークの表現はしっくりくる。

ロボット。
コンピューター。
数字。
通信。
電卓。
機械。
人間の代替。

彼らがずっと前から扱ってきたテーマが、今になってより現実に近づいている。

2002年に見た時は、未来的な表現として衝撃を受けた。
でも今見ると、それは未来というより、現在そのものに近い。

そこがクラフトワークのすごさだと思う。

Space Lab

Kraftwerkの空間

今回の来日公演も、ステージ構成は非常にシンプルだった。

ステージ上には4人。
横一列に並び、それぞれが端末の前に立つ。
大きなスクリーンに映像が出る。
衣装には発光するラインが入っている。

要素だけを見ると、それほど多くない。

ただ、その少ない要素の使い方がとても強い。

「The Man-Machine」では赤、白、黒

The Man machine

「Trans Europe Express」ではWhite Line

「Computer Word」黄色い画面と日本語のタイポグラフィ。

Pocket Calculator

「Tour de France」でのトリコロールと思いきやビビッとな青
数字や二進法のような記号が流れる場面もある。

Tour de France

どれも情報量が整理されている。
色数も少ない。
文字も大きい。
構図も明快。

だから、会場のどこから見ても伝わる。
写真に切り取っても強い。
そして、ステージ全体としても破綻していない。

これは空間演出として非常に重要なことだと思う。

映像は単なる背景ではない。
照明も、ただ派手に動かすためのものではない。
衣装も、本人たちを目立たせるというより、ステージ全体の一部として機能している。

音、映像、照明、衣装、人物の配置が、すべて同じ方向を向いている。
だから空間として強い。

Radio activity

Radio activity

バウハウス的な強さ

クラフトワークのステージを見ると、バウハウス的だと感じる。

装飾を増やすのではなく、要素を整理する。
形、色、文字、配置を明快にする。
機能とデザインを分けずに考える。
余計な動きや過剰な説明を入れない。

今回の公演でも、その印象は変わらなかった。

クラフトワークのライブは、足し算の演出ではない。
むしろ、徹底した引き算でできている。

色を絞る。
動きを絞る。
言葉を絞る。
見せるものを絞る。

その結果、ひとつひとつの要素が強く見える。

これはイベントや空間演出の仕事をしている立場から見ても、非常に参考になる。

現場では、どうしても「もっと足す」方向に行きがちになる。

もっと派手にする。
もっと明るくする。
もっと大きくする。
もっと分かりやすくする。
もっと盛り上げる。

もちろん、それが必要な場面もある。

ただ、強い空間は足し算だけでは作れない。

何を削るか。
何を残すか。
どの色を使うか。
文字をどの大きさで出すか。
人をどこに立たせるか。
動かないことに意味を持たせられるか。

クラフトワークを見ていると、その基本を思い出す。

Computer world

空間演出の原点として

私は普段、イベントや空間に関わる仕事をしている。

その立場で見ると、クラフトワークのライブは、音楽ライブでありながら、空間演出の完成形のひとつだと思う。

ステージの上に何を置くか。
どこに人を立たせるか。
どのタイミングで何を出すか。
どの色を使うか。
文字をどう見せるか。
音と映像をどう同期させるか。
観客にどの距離感で見せるか。

そういうことが、非常に整理されている。

しかも、それを何十年も同じ思想で続けている。

流行の演出を取り入れて、その時代っぽく見せることはできる。
でも、それは時間が経つと古くなる。

クラフトワークの場合は、時代の表面を追っていない。
もっと根本的な構造で見せている。
だから古くならない。

今回の公演を見て、自分がなぜクラフトワークに惹かれてきたのか、改めて分かった気がした。

自分がかっこいいと思う空間。
自分が強いと思う演出。
自分が仕事の中で大事にしたい感覚。

その原点を再認識させられた。

The Robots

最後かもしれないという感覚

今回の来日公演を見ながら、少しだけ「これが最後かもしれない」とも思った。

もちろん、また来てほしい。
ただ、年齢的なことを考えると、次があるかどうかは分からない。

だからこそ、今回見られてよかった。

映像内容も、構成も、昔のライブと大きく変わっているわけではない。
それなのに、まったく古くない。

むしろAI時代の今の方が、クラフトワークの表現は時代に合っているように見える。

これは本当にすごいことだと思う。

音、映像、照明、衣装、立ち位置、文字、色。
それらを整理して、ひとつの空間として成立させる表現だ。

The Robots

AI時代の今だからこそ、その意味はより強く感じられた。

昔は「未来的な演出」として見ていたものが、今はかなり現実に近いものとして見える。

改めてKraftwerkに感動。